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Le portrait est sans conteste le genre artistique le plus fécond du début des Temps modernes. Dans la France du XVIIe siècle, qui se distingue par une mobilité sociale inconnue jusqu’alors, le portrait permet précisément d’appuyer la revendication d’un nouveau statut social ou d’assurer un rang acquis, mais désormais remis en question. Le portrait se fait également l’écho de la discussion capitale concernant le rapport entre le corps et l’âme. Pourtant, les sources écrites parvenues jusqu’à nous, qui s’intéressent au portrait, sont étonnamment parcimonieuses. L’Académie royale de peinture et de sculpture fondée en 1648, en particulier, est presque totalement muette à ce sujet. Et ce, bien que nombre de ses membres gagnent leur vie comme portraitistes et que le genre voie son importance s’accroître au cours du Grand Siècle : les portraits se multiplient, tandis que leur prix augmente constamment. Il semble que l’Académie ait sciemment passé sous silence le portrait et les débats afférents, afin de mieux célébrer comme sa véritable mission la peinture d’histoire, sur laquelle l’institution nous a laissé d’innombrables témoignages. La présente étude reconstitue les discours autour du portrait dans la France du XVIIe siècle et dévoile une discussion d’une vivacité surprenante, où d’aucuns se sont même demandé si le portrait ne méritait pas – plutôt que la peinture d’histoire – d’occuper la première place dans la hiérarchie des genres. Das Porträt ist sicherlich die fruchtbarste künstlerische Gattung der frühen Neuzeit. Gerade im Frankreich des 17. Jahrhunderts, das sich durch eine bis dahin unbekannte soziale Mobilität auszeichnete, erlaubte es das Porträt, den Anspruch auf eine neue gesellschaftliche Position zu unterstreichen bzw. auf einer überkommenen, nun aber in Frage gestellten Position zu beharren. Auch fand die zentrale Diskussion um das Verhältnis von Leib und Seele ihren Niederschlag im Porträt. Hiermit in Kontrast steht der Mangel an schriftlichen Quellen…

The arts --- Abbaye de Port-Royal --- Académie royale de peinture et de sculpture (fondée en 1648) --- genres artistiques --- Grand Siècle --- jansénisme --- monarchie française --- peinture d’histoire --- portrait --- physiognomie --- physiognomonie --- XVIIe siècle --- roi de France --- littérature

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Le portrait est sans conteste le genre artistique le plus fécond du début des Temps modernes. Dans la France du XVIIe siècle, qui se distingue par une mobilité sociale inconnue jusqu'alors, le portrait permet précisément d’appuyer la revendication d’un nouveau statut social ou d’assurer un rang acquis, mais désormais remis en question. Le portrait se fait également l’écho de la discussion capitale concernant le rapport entre le corps et l’âme. Pourtant, les sources écrites parvenues jusqu’à nous, qui s’intéressent au portrait, sont étonnamment parcimonieuses. L’Académie royale de peinture et de sculpture fondée en 1648, en particulier, est presque totalement muette à ce sujet. Et ce, bien que nombre de ses membres gagnent leur vie comme portraitistes et que le genre voie son importance s’accroître au cours du Grand Siècle: les portraits se multiplient, tandis que leur prix augmente constamment. Il semble que l’Académie ait sciemment passé sous silence le portrait et les débats afférents, afin de mieux célébrer comme sa véritable mission la peinture d’histoire, sur laquelle l’institution nous a laissé d’innombrables témoignages. La présente étude reconstitue les discours autour du portrait dans la France du XVIIe siècle et dévoile une discussion d’une vivacité surprenante, où d’aucuns se sont même demandé si le portrait ne méritait pas – plutôt que la peinture d’histoire – d’occuper la première place dans la hiérarchie des genres.

Portraits --- Portraits --- History --- Histoire

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Du fait de la disparition presque totale de la peinture grecque monumentale, les fresques des tombes et chambres étrusques représentent l'ensemble le plus important des peintures antiques préromaines. Ces tombes peintes étrusques qui s'échelonnent entre la première moitié du VIIIe siècle et la première moitié du IIe siècle avant J.-C. sont surtout localisées dans la nécropole de Monterozzi, qui appartient à la célèbre métropole maritime de Tarquinia, mais on en trouve aussi à Véies, Cerveteri, Vulci, Orvieto et Chiusi. Au nombre des plus récentes découvertes, il faut noter : la tombe des Démons bleus à Tarquinia, qui s'orne de démons étrusques d'aspect effrayant et d'un Charon grec dans sa barque ; une tombe de l'Orientalisant récent avec décoration d'animaux fantastiques de facture toscane et, également, un édifice souterrain - non funéraire - dans la zone urbaine de Cerveteri avec représentation de palmiers. Ces peintures aux couleurs vives reflètent les changements stylistiques, iconographiques et " idéologiques " qui se sont produits au cours de cinq siècles. Elles nous donnent de précieuses informations sur la vie quotidienne, la société, la religion et le culte funéraire de l'aristocratie étrusque. Ce livre, le premier qui offre un panorama aussi vaste des fresques étrusques, tente de reconstituer l'histoire de la peinture funéraire étrusque, de répertorier les diverses possibilités d'interprétation et de situer ce phénomène dans l'histoire générale de la peinture antique, en particulier en établissant des comparaisons avec l'Italie méridionale, la Macédoine et l'Asie Mineure. Cet ouvrage s'adresse aussi bien aux amateurs qu'aux chercheurs tant les œuvres reproduites restent surprenantes, intéressantes, et tant elles éblouissent par leur beauté intemporelle. (Deuxième de couverture.)

frescoes [paintings] --- Painting --- Etruscan [culture or style] --- fresco's --- Etrusken --- Antiquity --- Italy --- Antiquité romaine --- Art étrusque --- Fresque --- Mural painting and decoration, Etruscan --- Tombs --- Etruscans --- Decoration --- Antiquities. --- Peinture et decoration murales etrusques

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Depuis toujours, les mosaïques fascinent par leur charme esthétique particulier et surtout par des jeux de lumière que la technique de la fresque ne permettait pas d’atteindre : la réfraction des rayons lumineux par les tesselles, ainsi que l’éclat saisissant des couleurs confèrent aux images une vivacité dont les contemporains parlaient déjà en des termes élogieux. Intégrées dans le décor des édifices paléochrétiens dès le milieu du IVe siècle, les mosaïques occupèrent d’abord essentiellement l’abside, centre liturgique de l’église. Il faudra attendre le XIIe siècle pour que des ensembles décoratifs plus vastes voient le jour, se déployant sur une grande partie de l’espace intérieur, comme à la cathédrale de Monreale (Sicile) ou dans l’église San Marco à Venise. Le présent ouvrage offre pour la première fois un panorama global de ce chapitre essentiel et passionnant de l’art italien. Une introduction richement illustrée retrace l’évolution de la mosaïque du IVe au XIVe siècle, en s’intéressant aux grands centres de Rome, Ravenne, la Sicile et Venise, sans négliger d’autres sites comme Milan et Naples. L’auteur étudie la question des commanditaires, mais aussi celle des destinataires de ces cycles. Avec une grande clarté, il analyse le rôle attribué aux mosaïques au sein des églises ainsi que leur thématique. On suit leurs mutations iconographiques et stylistiques au fil des siècles, et les influences tantôt romaines, tantôt byzantines, qui se sont exercées sur cet art. De somptueuses images étudient en détail 19 chefs-d’œuvre de l’art de la mosaïque italienne, depuis le mausolée de Constantina du IVe siècle, jusqu’aux mosaïques de Jacopo Torriti à Santa Maria Maggiore et de Pietro Cavallini à Santa Maria in Trastevere (Rome) exécutées à la fin du XIIIe siècle. Présentées en pleine ou double page, les planches en couleur, dont de nombreux clichés inédits et des détails fortement agrandis, donnent une vision fidèle de la beauté de cette « vraie peinture de l’éternité ».