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Les analyses dramaturgiques et littéraires rassemblées ici s’attachent à deux pièces de Jean-Luc Lagarce : Derniers remords avant l’oubli et Juste la fin du monde. Elles envisagent les traits saillants d’une écriture qui vise à traduire les difficultés de la séparation au sein des cellules amicales et familiales. Il s’agit, pour les personnages, de se retrouver encore alors que le passé les a déjà séparés et de rejouer pour une dernière fois les rituels qui unissent : ceux de la parole et de l’être ensemble. Sous l’apparente simplicité de la situation, Lagarce tresse les fils d’une dramaturgie plus complexe qui demande au lecteur/spectateur un véritable apprentissage. La parole rend compte de la difficulté à dire à travers un jeu de reformulation et un espace du non-dit. Le temps présent se complexifie. Le monologue gagne du terrain. Mais l’ironie est toujours présente dans cette parodie du déchirement
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Comment dire la guerre au jeune public ? C’est la question à laquelle répondent les auteurs de théâtre étudiés dans cet ouvrage qui ont fait le choix, au sein de leur écriture, d’une épure radicalisant le conflit. Face à la violence du rapport au réel, ils cherchent une juste distance et produisent une dramaturgie de l’intermittence. L’avant et l’après de l’action, le passé et le présent sont des moments de doute du personnage de l’enfant face à l’action de guerre imposée : celle de tuer ou de fuir. Il se tourne alors vers le jeu ou l’imaginaire du rêve. Avec le temps, le personnage de l’enfant-survivant réanime le conflit passé dans un écho constant. Il devient résilient, en parcourant des territoires d’apprentissage, dans lequel il emporte avec lui des objets symboles. Ces plus petits territoires intimes, débris d’un monde perdu, font tenir debout une fois retrouvés. Les souvenirs sont prégnants dans une dramaturgie du témoignage qui mobilise le monologue. Nous y retrouvons une tendance du théâtre contemporain à faire reposer la dimension documentaire sur l’introspection individuelle, où le personnage de l’enfant-témoin a toute sa place. Toutefois, l’écriture se creuse bien souvent d’une faille qui traduit l’impossibilité pour l’enfant de tout comprendre. Il bute sur les mots comme sur le réel et réinvente un langage. Ainsi, cet ouvrage interroge la possibilité d’une présence, inscrite dans le moment de l’adresse et dans la matérialité de la scène, entre surgissement et effacement des signes de la guerre, au sein d’un corpus dont l’étude se révèle d’une grande richesse.
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Comment dire la guerre au jeune public ? C’est la question à laquelle répondent les auteurs de théâtre étudiés dans cet ouvrage qui ont fait le choix, au sein de leur écriture, d’une épure radicalisant le conflit. Face à la violence du rapport au réel, ils cherchent une juste distance et produisent une dramaturgie de l’intermittence. L’avant et l’après de l’action, le passé et le présent sont des moments de doute du personnage de l’enfant face à l’action de guerre imposée : celle de tuer ou de fuir. Il se tourne alors vers le jeu ou l’imaginaire du rêve. Avec le temps, le personnage de l’enfant-survivant réanime le conflit passé dans un écho constant. Il devient résilient, en parcourant des territoires d’apprentissage, dans lequel il emporte avec lui des objets symboles. Ces plus petits territoires intimes, débris d’un monde perdu, font tenir debout une fois retrouvés. Les souvenirs sont prégnants dans une dramaturgie du témoignage qui mobilise le monologue. Nous y retrouvons une tendance du théâtre contemporain à faire reposer la dimension documentaire sur l’introspection individuelle, où le personnage de l’enfant-témoin a toute sa place. Toutefois, l’écriture se creuse bien souvent d’une faille qui traduit l’impossibilité pour l’enfant de tout comprendre. Il bute sur les mots comme sur le réel et réinvente un langage. Ainsi, cet ouvrage interroge la possibilité d’une présence, inscrite dans le moment de l’adresse et dans la matérialité de la scène, entre surgissement et effacement des signes de la guerre, au sein d’un corpus dont l’étude se révèle d’une grande richesse.
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Rien n'est plus riche d'effets, au théâtre, que la fameuse "scène de reconnaissance ", dans laquelle, les fausses identités se dissipant, les soeurs retrouvent leurs frères dans les jeunes inconnus que la voix du sang leur désignait confusément, les parents leurs enfants qu'ils croyaient perdus à jamais, et les héros leurs origines jusque-là mystérieusement voilées. Dans sa définition aristotélicienne, la reconnaissance (anagnorisis), théorisée à propos de la tragédie, est étroitement liée au renversement final et au dénouement de la pièce. La reconnaissance canonique est une surprise paradoxale, puisqu'elle émane de la logique même de l'action : plus qu'une scène, elle est un véritable processus qui se prépare dans les rouages de la dramaturgie. A l'époque classique, cette conception aristotélicienne de l'" agnition " reste au fondement de la réflexion théorique sur la question. La pratique, cependant, en est souvent bien éloignée : on use et on abuse du procédé, tandis qu'il s'épanouit dans la comédie, la tragicomédie et le drame. Peu à peu, de nouvelles dramaturgies, ainsi que de nouveaux enjeux esthétiques, sociaux et philosophiques induisent en outre de nouvelles pratiques de la reconnaissance. Dans le théâtre moderne et contemporain, la difficulté à cerner les contours d'une identité pouvant soutenir le principe de la révélation deviendra le sujet même des drames de la reconnaissance. Les contributions réunies dans le présent volume étudient les formes et les usages de la reconnaissance, en France, du XVIIe au XXIe siècle, aussi bien dans les formes de théâtre où la constance et l'identité du personnage sont des présupposés de la dramaturgie, que dans celles où, précisément, elles en constituent un enjeu. Instrument critique privilégié, l'étude de la reconnaissance se révèle, pour chaque époque, un moyen efficace d'interroger les ressorts de l'action.
French literature --- Drama --- Reconnaissance (littérature) --- Théâtre français --- Histoire et critique
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L’ouvrage, qui rassemble dix contributions, interroge, autour des notions d’hybridité et d’hybridation, l’évolution du théâtre contemporain pour la jeunesse en articulant cette réflexion aux questions que pose sa promotion dans les classes et son ouverture à un public plus large. En effet, si, depuis une dizaine d’années, de nombreux travaux mettent en évidence l’intérêt et les qualités de ce répertoire, et si des incitations institutionnelles, telles les listes de référence, ont relayé ces travaux, sa place dans l’institution scolaire reste encore très marginale, ce corpus restant méconnu. Aussi les contributions des chercheurs, croisant des approches littéraires, esthétiques, dramaturgiques, didactiques, sémiologiques et une ouverture historique apportent-elles différents éclairages à cette problématique, et montrent-elles, dans le mouvement même d’hybridation qui travaille ce corpus, des ressources permettant d’en faciliter l’accès.
Literature --- Theater --- enseignement secondaire --- étude --- théâtre pour la jeunesse
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Si le drame subsiste au xxe siècle, il s'en trouve profondément transformé car l'inflation du monologue rend peut-être toute parole solitaire et désolée, mais il manifeste surtout sa propension à rendre compte de la pluralité des voix du monde. Le monologue se présente de plus en plus comme un lieu de résistance, se fait le laboratoire d'écritures et de pratiques scéniques sans cesse renouvelées. Ce mouvement exploratoire travaille ce qui constitue le drame dans son rapport au monologue, à la fois comme un constituant dramatique – « contre » le drame : dans une immédiate proximité – mais aussi comme une force, et une forme, d'opposition offensive, faisant s'ébranler cette assise en réinvestissant ce qui fait l'action : l'acteur et sa parole – « contre » le drame : dans une opposition frontale. Si certains critères de dramaticité ne sont plus pertinents (vraisemblance, cohérence de l'action), certains constituants s'en trouvent réactivés (l'adresse, le rapport à la parole, le corps de l'acteur), qui revendiquent une proximité retrouvée. Il se pourrait qu'aujourd'hui encore le terme de drame soit efficient en s'inscrivant au cœur d'une forme – le monologue – qui explore la parole quand elle se fait action, et ce, quel que soit le caractère hétérogène des écritures textuelles et scéniques qu'elle emprunte, à l'aune du théâtre dit postdramatique.
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Ce volume constitue le deuxième volet d’une recherche que nous avons voulu consacrer aux écritures théâtrales pour la jeunesse dont le premier est paru en 2015 dans la revue Recherches et Travaux. Ici encore, il s’agit d’examiner comment le rapport à la jeunesse correspond moins à une thématique qu’à un engagement dépassant le seul théâtre destiné aux jeunes et interrogeant à la fois le monde et le théâtre, la jeunesse et les adultes soucieux de regarder le monde tel qu’il va depuis l’enfance. Cet engagement est ici plus précisément étudié via la focale de la poétique du drame - une poétique résolument plurielle qui ne manque pas de vivifier le champ de la littérature théâtrale contemporaine dans son ensemble. Attentif aussi bien aux poétiques de l’engagement qu’à l’engagement du poétique dans le théâtre de jeunesse, ce volume propose d’aller à la rencontre de dramaturgies et de voix singulières, telles celles d’Edward Bond, de Joseph Danan, de Daniel Danis, de Philippe Dorin, de Mike Kenny, de Claudine Galea, de Suzanne Lebeau, de Sylvain Levey ou encore de Dominique Richard.
Theater --- Literature (General) --- critique --- histoire --- théâtre pour la jeunesse
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