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La série des Museum Photographs réalisée par l’artiste allemand Thomas Struth montre des spectateurs regardant des peintures, exposées dans les plus grands musées du monde. Cette série soulève de nombreuses questions concernant le rôle du spectateur et notre rapport à l’histoire de l’art. L’artiste interroge le spectacle muséal qu’offrent les musées aujourd’hui et met au jour les liens cachés qu’entretiennent les hommes avec l’art. Il souligne les rapports entre visiteurs et œuvre d’art, peinture et photographie, passé et présent, œuvre documentaire et mise en scène. Tel un conservateur savant, Struth met en valeur un patrimoine artistique en le conservant à travers ces photographies. Il renouvelle significativement une tradition tout en la réinterprétant.

E-books --- Art --- Allemagne --- art contemporain --- musée --- peinture --- photographie --- histoire de l'art --- théâtre

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Les avancées scientifiques et les nouvelles technologies remodèlent le monde de manière tellement complexe qu'il devient difficile d'en saisir les principes directeurs. Il est maintenant possible de contrôler la structure de la matière à des échelles de taille tellement petites que les systèmes obtenus présentent des propriétés hors du commun et nos repères vacillent dans ce monde en continuelle mouvance qui nous oblige à repenser autrement notre relation au monde tangible. 0r, les images dont nous disposons pour nous saisir mentalement de ces mouvements et métamorphoses sont devenues inopérantes et sont à redessiner, à mettre en relation, à assembler autrement. C'est en ces lieux que l'art contemporain peut venir jouer son rôle d'intercesseur entre la matière-forme et la pensée humaine, entre la méta-réalité de l'œuvre et notre imaginaire social comme autant d'outils pour nous aider à opérer cette métamorphose de notre imaginaire.

Perception --- Processus de création --- Matériau --- Materiau intelligent --- Art contemporain --- Sémiologie de l'image --- Technique de représentation --- Imaginaire

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Key artists' writings that have influenced and catalyzed contemporary queer artistic practice. Historically, “queer” was the slur used against those who were perceived to be or made to feel abnormal. Beginning in the 1980s, “queer” was reappropriated and embraced as a badge of honor. While queer draws its politics and affective force from the history of non-normative, gay, lesbian, and bisexual communities, it is not equivalent to these categories, nor is it an identity. Rather, it offers a strategic undercutting of the stability of identity and of the dispensation of power that shadows the assignment of categories and taxonomies. Artists who identify their practices as queer today call forth utopian and dystopian alternatives to the ordinary, adopt outlaw stances, embrace criminality and opacity, and forge unprecedented kinships, relationships, loves, and communities.Rather than a book of queer theory for artists, this is a book of artists' queer tactics and infectious concepts. By definition, there can be no singular “queer art.” Here, in the first Documents of Contemporary Art anthology to be centered on artists' writings, numerous conversations about queer practice are brought together from diverse individual, social and cultural contexts. Together these texts describe and examine the ways in which artists have used the concept of queer as a site of political and institutional critique, as a framework to develop new families and histories, as a spur to action, and as a basis from which to declare inassimilable difference. Artists and writers include : Nayland Blake, Gregg Bordowitz, Leigh Bowery, AA Bronson, A. K. Burns, Giuseppe Campuzano, Tee Corinne, Barbara DeGenevieve, Dyke Action Machine!, Elmgreen & Dragset, Rotimi Fani-Kayode, Simon Fujiwara, Malik Gaines, Felix Gonzalez-Torres, Gran Fury, Sunil Gupta, Hahn Thi Pham, Harmony Hammond, Sharon Hayes, Hudson, Roberto Jacoby, Derek Jarman, Isaac Julien, Mahmoud Khaled, Zoe Leonard, Lesbian Avengers, Catherine Lord, Ma Liuming, LTTR, Allyson Mitchell, Zanele Muholi, Carlos Motta, Ocaña, Hélio Oiticica, Catherine Opie, Ridykeulous (Nicole Eisenman & A.L. Steiner), Marlon Riggs, Emily Roysdon, Prem Sahib, Assoto Saint, Tejal Shah, Amy Sillman, Jack Smith, Wolfgang Tillmans, Toxic Titties, Danh Vo, David Wojnarowicz, Wu Tsang, Yan Xing, Las Yeguas del Apocalipsis, Akram Zaatari, Sergio Zevallos

Artists' writings. --- Homosexuality and the arts. --- Art contemporain --- Mouvement artistique --- Artiste et société --- Iconographie --- Processus de création --- Création artistique --- Ecrit d'artiste --- Art militant --- Art et politique --- Queer --- Sexualité

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Jan Fabre : beyond the artist : Jan Fabre ouvre les portes de son antre : l'énigmatique Troubleyn, lieu d'échanges et de convivialité, véritable laboratoire artistique. Derrières ces murs, le processus de création de l'artiste se dévoile. Et derrière l'artiste aux multiples facettes, l'homme.Sulfureux, provocateur, intense, talentueux, Jan Fabre ne laisse personne indifférent. Certains crient au génie, d'autres au scandale. Dérangeant, l'artiste interroge, secoue, n'a pas de limite. Dessinateur, sculpteur, chorégraphe, plasticien, metteur en scène, il est de ces artistes qui marquent l'Histoire, bouillonnant de créativité, insatiable, déplaçant systématiquement les frontières des genres qu'il aborde.Les années de l'Heure Bleue :À travers ce documentaire, Arnaud Emery nous fait découvrir une exposition consacrée au travail de Jan Fabre centré sur ses oeuvres réalisées au stylo à bille Bic bleu, accueillie au Musée d'Art Moderne de Saint-Etienne Métropole, de février à mai 2012.Nous pénétrons dans l'univers poétique et sensible d'un créateur hors norme. À la fois artiste et auteur, Jan Fabre donne à voir un monde qui lui est propre, empreint de métaphores, de fantasmes, de symboles et de réalités. Souvent présenté comme un artiste subversif, Jan Fabre nous fait découvrir ici l'Heure Bleue.Pietas :Tourné lors de la 54ème édition de la biennale de Venise en 2011, ce film dévoile une relecture inédite faite par Jan Fabre de la Pietà de Michel-Ange.La caméra de Wannes Peremans nous plonge au coeur de ces somptueuses sculptures réalisées en marbre de Carrare. En outre, le réalisateur fait témoigner de nombreux intervenants proches de l'artiste et de son oeuvre.From the feet to the brain : À la Biennale de Venise 2009, 53e Exposition internationale d'art, Jan Fabre met en scène le corps humain dans un univers d'horreur, de beauté et de métamorphose, jonglant constamment entre rêve et réalité.Cinq installations rythment cette exposition : The Belly, The Feet, The Sex, The Heart, The Brain, pour créer le tout qu'est "From the Feet to the Brain" ("Des pieds au cerveau").Wannes Peremans nous entraîne dans les dédales de cette exposition et fait témoigner de nombreux proches de l'artiste.Jan Fabre au Louvre : Ce film retrace l'installation de l'exposition qu'a consacré le Louvre à Jan Fabre entre avril et juillet 2008. Pour la première fois, l'oeuvre d'un artiste contemporain est exposée de façon aussi importante dans le prestigieux musée.On revit dans ce film l'arrivée et la mise en place des oeuvres et l'écho immédiat qu'elles provoquent avec les toiles des Maîtres Flamands. Au-delà de sa réputation parfois scandaleuse, Jan Fabre rappelle ici le dialogue permanent qu'il mène avec ses paires, inscrivant son travail dans une tradition multi séculaire.

Corps humain --- Peinture --- 20e siècle --- Art contemporain --- Musée --- Portrait --- Exposition --- Arts plastiques --- Création artistique --- Histoire de l'art --- Installation-art --- Théâtre --- Art graphique --- Chorégraphie --- 21e siècle --- Performance --- Couleur --- Dessin --- Sculpture --- Fabre, Jan --- Michel-ange --- Louvre --- Venise

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How are we to understand works of art that are realized with viewers’ physical involvement? How are we to analyze a relationship between a work of art and its audience that is rooted in an experience both aesthetic and physical when "user experience" is a central concern of a society held in the grip of omnipresent interactivity? Between two seemingly opposed modes, contemplation and use, this book offers a third option: that of "practicable" works, made for and of audience action. 

Today, these works often use digital technologies, but artists have created participatory works since the mid-twentieth century. In this volume, critics, writers, and artists provide diverse perspectives on this kind of "practicable" art, discussing and documenting a wide variety of works from recent decades. *Practicable* returns to the mainstays of contemporary art from the 1950s to the present, examining artistic practices that integrate the most forward-looking technologies, disregarding the false division between artworks that are technologically mediated and those that are not. 

*Practicable* proposes a historical framework to examine art movements and tendencies that incorporate participatory strategies, drawing on the perspectives of the humanities and sciences. It investigates performance and exhibition, as well as key works by artists including Marina Abramović, Janet Cardiff, Lygia Clark, Piotr Kowalski, Robert Morris, David Rokeby, and Krzysztof Wodiczko, and features interviews with such leading artists and theoreticians as Matt Adams of Blast Theory, Claire Bishop, Nicolas Bourriaud, Thomas Hirschhorn, Bruno Latour, Seiko Mikami, and Franz Erhard Walther.

Interactive art. --- Interaktive Kunst --- Interactive art --- Participatory art --- Performance art --- Social practice (Art) --- #SBIB:316.7C200 --- #SBIB:39A5 --- Sociologie van de cultuuruitingen: algemeen --- Kunst, habitat, materiële cultuur en ontspanning --- Interaktive Kunst. --- kunsttheorie --- 791.5 --- 7.01 --- 7.038/039 --- performances --- participatie --- interactiviteit --- interactieve kunst --- kunst en technologie --- Public --- Participation --- Art contemporain --- Philosophy and psychology of culture --- Art --- community art --- interactive art